La producción cinematográfica de 2025 dedicada al mundo del arte expuso con fuerza la tensión entre el deseo de permanencia y el miedo a una transformación acelerada. Documentales y ficciones abordaron, desde miradas diversas, cómo la creación artística y sus mercados se ven atravesados por nuevas tecnologías, presiones económicas y dilemas éticos, sin abandonar del todo la idea del arte como refugio frente a la incertidumbre.
Las películas más destacadas del año pusieron el foco en temas como los riesgos de la inteligencia artificial, la mercantilización de la cultura y la redefinición de los vínculos creativos. En ese marco, el cine se convirtió en un espacio para pensar el presente y cuestionar el futuro de la producción artística.
En The Mastermind, Kelly Reichardt revisita la Estados Unidos de 1970, marcada por la protesta social y el desconcierto generacional. La historia de JB Mooney, un desempleado que planea el robo de pinturas de Arthur Dove, funciona como una reflexión sobre quién accede realmente a la libertad en tiempos de cambio profundo.
Desde Francia, Auction (Subasta) propone una sátira mordaz sobre el mercado del arte. El hallazgo de un cuadro perdido de Egon Schiele desencadena un enfrentamiento moral entre personajes que deben medir sus valores frente a la voracidad de las casas de subastas.
Uno de los diálogos clave del film equipara el rol del subastador con el de la prostitución, dejando al descubierto las dinámicas de poder, seducción y cinismo que atraviesan el sistema artístico contemporáneo.
El documental Art for Everybody revisa la figura de Thomas Kinkade y cuestiona el desprecio institucional hacia su obra. La película rescata trabajos inéditos y analiza su papel pionero en la construcción del artista como marca.
La propuesta sostiene que Kinkade anticipó la fusión actual entre identidad artística y mercadotecnia, al tiempo que revela el conflicto interno de un creador atrapado por su propio éxito comercial.
En un tono más íntimo, Peter Hujar’s Day reconstruye una conversación entre el fotógrafo y la escritora Linda Rosencrantz. A través de gestos cotidianos, el film celebra la creatividad como algo que nace de lo simple y lo habitual.
Spike Lee, en Highest 2 Lowest, aborda de manera frontal el impacto de la financiarización, internet y la obsesión por la inteligencia artificial en la valoración del arte. Inspirado en Kurosawa, cuestiona si la industria cultural no es, en esencia, una estructura frágil sostenida por intereses económicos.
El documental S/He Is Still Her/e recorre la figura de Genesis P-Orridge sin esquivar sus contradicciones. El film analiza su proyecto Pandrogyne y la construcción de un culto personal que potenció y a la vez desdibujó su obra.
Entre las propuestas más experimentales se encuentra Grand Theft Hamlet, que relata el intento de montar Hamlet dentro del videojuego Grand Theft Auto V. La experiencia reflexiona sobre la necesidad de comunidad artística incluso en entornos virtuales y hostiles.
Blue Moon, de Richard Linklater, se sitúa en 1943 durante el estreno de Oklahoma! y expone la ruptura creativa entre Rodgers y Hart. A través de un Lorenz Hart vulnerable, la película indaga en el costo emocional de las separaciones artísticas.
La rumana Dracula, dirigida por Radu Jude, ofrece una sátira incisiva sobre el uso de inteligencia artificial generativa en el arte. Mediante imágenes creadas por algoritmos, denuncia el riesgo de delegar la creación a sistemas que imitan sin comprender.
En conjunto, estas películas retratan un año en el que el cine sobre arte no solo observó la creación, sino que la puso en crisis, revelando una industria atravesada por el miedo al reemplazo, la nostalgia por lo humano y una persistente, aunque frágil, esperanza en el poder transformador del arte.
